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Siamo Cosmopoliti. Blog di viaggi d'Arte, Fantasia e Regioni. Viaggi nel Cinema, nel Teatro. Cosmopoliti di città e di scena. Dall’Italia al romanzo, dal racconto alla fiction, dal Teatro all'economia. Confondere Letteratura, Arte, Città, Nazioni sarà un modo per incantare.

martedì 30 gennaio 2018

Spesso mi sento come una macchina che non parte

Spesso mi sento come una macchina che non parte.
Tutto è pronto, il serbatoio pieno, le valigie nel portabagagli:
propositi, contatti, la mèta decisa, tutti i sì al loro posto.
Uno solo ne manca, tant’è
resto accesa e non parto.
Ma dovessi anche stare più di un anno
accesa ad aspettare, ve lo giuro,
qualcuno arriverà a capire
perché non vanno sprecati
frizione e acceleratore.

(16 gennaio 2018, Milano)

Metamorfosi e distrazioni

Sino ad oggi la vita è stata metamorfosi e distrazioni: come freccia mi sono lanciata, come un treno non ho ritardato tappe, stazioni: ecco i gradi delle mie mutazioni. Contadina anche sono del mio tempo, per il mio seminato, una donna moderna: femmina per metà e per l’altra veloce mezzo di sogni, priva di età e freni.

(16 gennaio 2018, Milano)

mercoledì 30 novembre 2016

Interview with Mandahla Rose

By Giuseppina Biondo
Translated by Mary Basso

Despite her roles in several movies, you can’t really find much on the internet about Mandahla Rose, an Australian actress and artist. One of her last movies is “All about E” (2015), a 96’’ LGBT movie. Since what I learnt about her I got it from her social network profiles, I am going to start to ask her the questions.

Hello Mandahla, thanks for accepting the interview. As first question I have a simple question, but given your confidentiality on the internet, I hope you can tell us about your biography. How old are you? And how come there are such little infos about you on the internet?
Hello Giuseppina, thank you for taking the time to want to interview me. It's interesting, I am asked my age regularly and I choose not to answer it. I am who I am because of my experiences and not because of the year I was born. Age is just a number and people sometimes choose to think differently about someone because of how old or young they are rather than who they are as a person or how they hold themselves. I think the reason for there not being a lot of information about me on the internet is because most of the work I have done was back in my little hometown of Adelaide, Australia.

When did you realise you wanted to be an actress and what was your first role?
When I realised that I could be anyone, live in someone else’s shoes, experience the world through others eyes, that is when I decided that I wanted to be an actor. Imagine being able to hold an audience in the palm of your hand and you are responsible for making them laugh, cry, feel sorrow. What an incredible gift. I remember my first role was in high school, I played the chief weasel in A.A. Milne’s play, Toad of Toad Hall.

What can you do best, and worst, when you act?
I love serious roles and I especially love roles that have little dialogue as I find that i can express myself through my eyes. I find comedy perhaps more difficult for me because I am so comfortable with the serious side, but I have done some comedy before and I do enjoy it. The thing about acting is that I love the challenge and on top of that, I am a perfectionist. I know my strengths and weaknesses but I love to extend myself.

What’s the movie you’ve been in that excited you the most? And what is the character you played that you liked the most? What’s the one you consider the closest to you?
All of the projects that I have done, I have found exciting. Some perhaps are my more favourite than others, but mostly, I choose if I want to be a part of the project because I believe in it. The characters that I go for are strong, resilient, badass women because I feel that we need more of these in our world. Each character I have brought to life holds a piece of my heart, because they are a part of me. 

“All about E” sees you as the main character. I found it an eventful and funny movie. I laughed a lot thanks to your colleague Brett Rogers: through his character, during the vision of the movie, you can sense that nothing could go wrong in the plot. What do you like about E?
Brett is a wonderful actor, I loved working with him and his comedic timing is just wonderfully delightful. I love E, I love her complexities. I mean, everyone has their flaws, this is what makes us uniquely individual and E certainly has her fair share. What I love most about E is the way she handles herself while on this journey, she really comes into her own and it is wonderful to see her grow up and take control of her life right in front of your eyes. 

What’s your next project?
There are currently a couple of projects in development. Some I have already done my part and they are now in post-production. These titles are ‘La Douleur Exquise’, LDE for short. It is a web series and I play Sasha, a Lighting Director in a male dominant industry. She meets the love of her life, Elisabeth, a concert Corsican Pianist. The story follows their lives together and separately, both working their way up the ladder in their prospective fields and sharing a long distance relationship. The series spans 40 years. The other is ‘August in the City’, another short film, which we just finished shooting in New York. I play the love interest, a feminist hippie in the 1970’s called Clementine. 

Is there a director you’d like to work with?
There are many talented directors that I would love to work with and I look forward to the day when I do work with them. My ultimate dream director would be Tim Burton. I love his movies, his older ones especially. My favourite movie of all time is actually Beetlejuice. Speaking of, I hear that a second is being made, perhaps I might have a chance ;)

What’s your dream?
Wow, Giuseppina, what a question! If only I had many lives and could accomplish all my dreams! In truth, I am well on the way to living my dream. When I was a kid, I always told my friends and my foster parents and anyone who would listen that I was going to be a movie star when i grew up. I think that I wanted to just be famous because then I would be somebody, it is a dream that any kid in foster care would wish for. To be seen, to be noticed. But now, I just want to make a positive difference in the world, even if it’s just a little dent.

Would you take part in a TV series? If yes, which one?
Oh most definitely. There are a number of tv shows that I would love to be in, for example, American Horror Story. I love this series, and the calibre of actors working on it. It would be an incredible experience working with actors like Sarah Paulson, Denis O’Hara and Kathy Bates.

Have you ever watched an Italian movie?
Yes I have. Two come to mind in particular. Life Is Beautiful and Suspiria. I am quite a horror movie fan and Suspiria is one of my favourites.

Actors, activists, anyone who is your guide… who are your role models?
Ever since I was little, I have always looked up to Drew Barrymore. She is definitely my role model. She has been through much and is strong because of it. I look forward to the day where we share a wine together and chat about the world.

What are for you the most important values in life and career?
For me, the most important value in life and my career is to be true to myself. Treat others with kindness and love. Always remember that everyone about you has a story of their own. This career path that i have chosen to travel has many responsibilities and one if them is that I am instantly someone whom people might look up to and if I can’t be true to myself then what kind of role model am I.

I saw on instagram that you paint and write poems. What’s the painting you’d like to share? What does it represent for you?
i do love to paint, very much. A lot of my painting can take months to finish, sometimes just hours. One painting that i did recently only took about a week and it is one of my favourites. Actually, I fall in love with all of my work, they are a part of me. The one that I would love to share doesn’t actually have a name and I gifted it to my friend, Christie, who wrote and directed ‘La Douleur Exquise’ and also directed ‘August in the City’. This piece was recently painted while going through much internal change myself, so it’s kind of a new style for me. 

Poems. What’s writing for you? And yes, I am asking you once again to share one of your poems with our readers and to tell us something about it.
I have always written, ever since I knew how. Writing for me is just another way to express myself. I have poems and short stories and thoughts and currently I am in the middle of writing an autobiography. I would love to share one of my poems with our readers. The one I will share is about the loss of my mother. A loss that many people have experienced, a loss that I would never wish upon anyone.

When someone you love dies, a pain so deep and so personal wells up inside of your heart and stays there like a dagger plunged deeply. You wonder whether you can live, and you think that at any minute you will die. You blame the Gods you believe in for taking away from you such a beautiful person. You cry out for mercy and you cry out for justice, but all you can feel is the deep pain plaguing your heart and your mind. You feel the pain burning your heart and burning away your once happy life and you vow to yourself that you will never forget. You will never forget the way they laughed, the way they smelt, the way they talked, how they walked, what colour their eyes were or how they used to hug you…
But now I have forgotten.
I have forgotten everything.
And I miss her…
I miss my mother.

One of the things I find clear by reviewing your social network profiles is how the freedom you got goes well with your will of personal research. This freedom and this research become an explosive mix in the artistic field. It’s the same thing for anyone, don’t you think? (So simply I noticed that you are free and you try to make a lot of different arts, this is sort of an artistic and personal research. These things are a push to make dreams come true. Don’t you think?)
I think that each individual will find their own way in regards to their own personal research, whether that be through art or something else. Personally, this statement is definitely true for myself. I love what I do, I love my existence in this world, but sometimes it is easy to lose oneself. My freedom with my art and the way I choose to create help to keep my feet on the ground, it is my compass. 

Do you think you are more like a pinball, that goes from art to art, or does the acting career belongs to you more than anything else?
Each creative field, whether it be writing, painting, or acting has a special place within me. But when I am not able to act, I turn to other ways to express myself. Acting is definitely where my heart belongs, but unfortunately I can’t always do that. So instead, I write, or draw, or paint, or even pick up an instrument and teach myself.

Another curiosity I have to ask you about. What does the tattoo on your back mean? How old is it and how many others do you have?
There are actually three separate tattoos that run down my back. From the base of my skull right down to my sacrum. The top is a tiny little signature that I designed which is actually my own initials that you can find somewhere on all of my artwork. below that is a tribal looking kind of thing. I designed it when i was 14 years old and kept it on a piece of paper thinking that it would be a very cool tattoo for the future. At the time, it didn’t mean anything, it was just a design, but when i had it tattooed, its meaning revealed itself. And the beautiful artwork that runs down my back is the ancient six syllable sanskrit mantra; Om Mani Padme Hum. Each syllable represents something different and by chanting the mantra it helps cleanse you of the syllable antonym. And in the centre is the tree of life, this represents the interconnection of all life. I had this tattoo done in 2011 and in total, I have eight tattoos. All of which, I designed or collaborated with my tattoo artist at the time.

At last, motorbikes. I am definitely for cars (or boats), and not only because I like it more. In August, during my holidays in Favignana (Sicily), I had to rent a motorbike to make a tour around the island, a little bike. It has been one of the most embarrassing and dangerous experiences of this Summer! However, if I had to choose a bike, I would choose Uma Thurman’s one in Kill Bill. What about you?ot;helvetica neue";">
Ooh, I love motorbikes! Actually, I love anything with an engine. That sounds like it would have been quite an adventure riding around the island on a bike. I would love to hire a bike and tour the world that way. I am glad that you survived! I have many favourite motorbikes that I would love to own, and perhaps one day I will. Right now, I am in love with my own motorbike. She is a 1973 Kawasaki 350 Bighorn. and when i bought her, she had been sitting in a storage container in the desert for the past 10 years. She was rusted through, grass growing through the cracks of her disintegrated rubber tyres. But now, wow. She is completely restored. You can find pictures of her on Instagram. I called her Furiosa. 

Bye Mandahla, thanks for replying to my questions (get ready to reply to a lot of new proposals!). There’s nothing left now but ask you to say bye to our readers.
Giuseppina, thank you for reaching out to me and asking such wonderful questions. I have enjoyed answering them and to our readers, thank you for taking the time to read my answers. I wish everyone a beautiful day. x

sabato 5 novembre 2016

La vita è senza preavviso

La vita è senza preavviso
Idillio spezzato.

22 ottobre 2016, Milano

venerdì 7 ottobre 2016

Interview with Vandana Khanna

by Giuseppina Biondo
Questions translated by Maria Basso

While we wait for Sunday 16th October’s event of #Recitationes, I wanted you to know the poet Vandana Khanna through a few simple questions. 

GB: Hello Vandana, I start the interview by thanking you for giving me the opportunity to have this chat.
The first thing I would like to ask you is at what age you found out you wanted to be a writer. What event triggered in you the need of writing poetry?
VK: Writing has been a part of my life for so many years it’s difficult to remember a time without it. I tried to write my first novel when I was nine years old because I loved the stories I was reading and wanted to create my own. There wasn’t one event that triggered my turn towards poetry. I started writing poety in my early teens—partly because I liked the rhythm of the lines (so much like music) and partly because I liked how poetry could evoke emotions in such a short, powerful space.

GB: Studies. What is your path?
VK: I took my first poetry writing class as an undergrad in college. I was lucky to have studied under some amazing and accomplished writers such as Rita Dove, Greg Orr and Charles Wright. They were so instrumental in my education as a poet and much of what I learned as a young writer still informs my writing today.

GB: What are your literary and life role models? And what do you think you have in common with them?
VK: I feel like I have so many literary role models that I could go on and on. When I first started reading and writing poetry I was looking for other writers who were immigrants, who had similar experiences to mine of expatriation. I was first introduced to the poems of Li-Young Lee, Chitra Banerjee Divakaruni and Meena Alexander in college and reading their work changed my perspective on my own writing. I found comfort and bravery in their words. They gave me the courage to write about my own life and experiences.

GB: What is the main characteristic of your poetry? What the main themes? How would you describe your works?
VK: I think my writing is constantly evolving. In my first two books, I was more tightly connected to autobiographical storytelling—my main concerns were with telling stories about my childhood and growing up in America. With this third book that I am finishing, my interests are wider. I am telling stories about Hindu gods and goddesses but I am also writing about the ways in which the world sees women and girls, they ways in which we treat them. I am always drawn to a strong voice and imagery—if I can reveal the experience through an image, I feel more satisfied, like I’ve done what I was meant to do.

GB: In your opinion, what is the most important between the sound of the words, the transmitted images and metrics?
VK: With poetry, I don’t think you can isolate one element to be the most important. The sound, the language and the beat of a poem are intertwined. Each component informs they others. This is what I love the most about poetry: it works in many different ways—in the mouth, in the ear, in the mind.

GB: When you are writing a poem, what do you follow more your instinct, the inspiration and your spirituality or do you follow schemes, sequences or rules?
VK: I am a writer that believes in instinct and inspiration. That first flash of an image, a phrase, a sound is what drives me to the page. This is the part of writing that is the most exhilirating for me. But, after the initial inspiration so much time goes into shaping the images and ideas, to following an internal pattern to the words.

GB: Politics and poetry. What is the priority politics should have towards citizens? And what role should poetry have in politics?
VK: There is so much that can be said about the role of politics in art—and much smarter poets have written brilliantly about this connection and the role of politics and citizenship. If Claudia Rankine’s “Citizen” hasn’t made it into your hands yet, remedy that situation.

GB: What is your next project? I think that some new proposal from me is soon to come…
VK: I am still working on finishing my third full length collection about gods and goddesses. They still have stories to tell and I’m happy to receive them.

GB: Thank you for everything, dear Vandana. The only thing left now is to ask you to say “Hello” to our readers with a phrase or some verses that are important to you.
VK: “Was it only by dreaming or writing that I could find out what I thought.” Joan Didion

giovedì 19 novembre 2015

“The Innocents”, a gleam in history

Written by Giuseppina Biondo
Translated by Maria Basso

Through fast changes of direction and a continious going up and down in the deep and rapid underground of London, you can reach the Menier Gallery in Southwark Street joined by a relentess curiosity to see the works exposed in Laurel Holloman last show. Ongoing until 21st November. 
“The Innocents”, twenty-four portraits of women and children, whom are among the artist’s loved ones, opens a new journey began by the american painter, so far known and awarded for her abstract expressionism.

Here it takes place a change in the change.  Fell into full figurative, the portraits show an evolution inside the collection itself: the result of the character changes as Laurel Holloman produces new canvases, eyes change and expressions increase. This is the case, for example, of the technical-representative journey which goes from “The Lioness”, and “The Ingenue” to “Mona Lisa Smile”  or again “Another Rose in The Garden”. A variety inside one show that makes us think about an early originality of vision and a playfull approach, followed by study and growth, a research more and more close to a realistic reproduction. It must be underlined that the artist works follow two steps, the first is the photographic portrait, personally executed, the second is the replication on canvas. 
Constant, instead, is the intensity of the emotions shared. Unforgettable is the stare in “Invincible” and utterly sweet the one in “Sandra’s Eyes”, or again the magic expressions of “About a Boy” and “The Sunset”, in which the children’s eyes show all the foresight of observing the charm of the world and nature. 

At the 17th November’s inauguration there was also Tracy Middendorf, one among the models protagonists in Laurel Holloman portraits, as well as american actress with a large filmography. 
In an Europe shaken by the recent foreign politicy events , a show about innocence leads us to reflect, to the need of pursuiting clarity and authenticity, simplicity and emotions.

It appears almost necessary to focus on “The Undecided”, portrait about the innocence of introspection, an inner disarmament. Curved on herself, the woman portrayed recalls a woman who whitdraws on herself: an innocent and pure pursuit during something you would call a dark time, made of doubts and uncertainty. The position of the body and the background show a protagonist holding something dark to reflect about. Dark is also the room in which is the woman, but the white of the blankets contrasts and lightens up the picture as if the reflection can lighten up the mind. Maybe the thought that arises during dark periods, that contracts our soul and body is exactly the purest thought, that brightens us up inside leading us to the right visions? At last, could it be the artist’s portrait or the one of this historical period? If so, after reflections and indecisions, follows most of the time a firm and brave action, in the best of cases an inspired and innocent action.

sabato 28 febbraio 2015

Intervista a Christian Poggioni


Da quasi un anno non pubblico interviste, così oggi ricomincio con l'attore e regista, nonché mio Maestro di teatro, Christian Poggioni, nato il 28 febbraio 1972 a San Paolo del Brasile e diplomatosi in recitazione presso la Scuola del Piccolo Teatro di Milano nel 1999. Studente del grande Giorgio Strehler in Italia, nel 2003 prende il massimo dei voti nel master in regia alla School of Cinematic Arts – University of Southern California di Los Angeles.
Una biografia artistica talmente bella che vi invito a leggere interamente cliccando sul link qui di seguito, affinché non venga tralasciato nulla:   

Christian, ho letto che ti sei anche laureato con il massimo dei voti alla Statale di Milano. In che cosa?
In scienze ambientali. Ho due passioni nella vita, una è il teatro e l’altra sono i viaggi. I viaggi veri, non comprati, ma mi piace stare nella natura, fare campeggio, andare in barca a vela. Quindi prima di fare teatro seguivo questo percorso che mi portava all’ambiente. Mi piaceva molto, tuttora mi piace. E quindi mi ero iscritto in una facoltà dove potessi studiare l’ambiente e la natura. Durante gli studi ho cominciato a fare corsi di teatro, come fanno tutti all’inizio, per gioco, per diletto. Da lì il teatro è diventato sempre più la passione prevalente. Ho continuato a viaggiare, però poi ho provato a fare gli esami di ammissione al Piccolo Teatro, è andata bene e quindi ho fatto l’Accademia lì al Piccolo. Dopo, una volta diplomato, ho finito l’università. Ricordo che già lavoravo, ero in tournée, e contemporaneamente finivo la tesi per l’università.

È stato pesante portare avanti così brillantemente studi universitari e formazione teatrale?
Per me no. Non perché non abbia lavorato molto, anzi. Finivo l’anno scolastico al Piccolo Teatro e l’estate davo gli esami che mi rimanevano. Però sono due attività così diverse, il teatro e lo studio universitario, che mi sembrava di riposarmi: toglievo la tuta, smettevo di sudare, di faticare, e cominciavo a studiare delle cose scientifiche, mi mettevo al computer. Viceversa, finivo gli esami e riprendevo a fare teatro-danza, recitazione… quindi sono due attività molto diverse. Io sono uno sicuramente curioso e mi piace fare tante cose. Per me non è stato pesante e sicuramente sono stato molto impegnato, però mi sono divertito.

Quando e come hai capito di voler diventare attore? Qualcuno ha mai provato a dissuaderti dal tuo sogno?
Avrò avuto venti anni quando ho cominciato. E no, anzi, nel mio caso, essendo i miei genitori musicisti, mi hanno incoraggiato. Cosa che non capita sempre. Mi hanno capito e mi hanno incoraggiato.

Devo ammettere che in particolare ci sono due punti nel tuo curriculum che mi hanno colpita, a prima lettura. Il master in regia a Los Angeles e, nel 2008, la tua collaborazione nel ruolo di assistente alla regia alla Kaye Playhouse di New York per Le nozze di Figaro. Raccontaci queste esperienze americane.
Fa parte di questa cosa di cui ti dicevo, dell’essere curioso. Anche il percorso universitario l’ho fatto con passione, non è che l’ho fatto per avere una riserva. Mi sono laureato con 110 e lode, quindi fa parte un po’ di me lasciarmi prendere dalle cose che mi appassionano. E allora lì, in quel momento, volevo un po’ vedere come, non solo fare l’attore, ma lavorare sugli spettacoli anche dall’esterno. E poi avevo bisogno, sentivo l’esigenza di viaggiare, di andare all’estero a farlo perché stavo facendo tante tournée in Italia, nei teatri con il Piccolo andavamo in giro, con il teatro stabile di Trieste, con Calenda. E allora ho cercato un po’ cosa offrissero le università straniere e ho trovato questo collegamento con gli Stati Uniti. Che sicuramente consiglio. Fare esperienza all’estero cambia il modo di guardare le cose qua. Il mondo è grande, se si può, si vada e poi si torni. Difatti ho fatto uno spettacolo che si intitola “Nostos” (“Ritorno”), sul viaggio. È bello andare, è bello tornare. Poi dipende anche da ciò che uno trova.  

Il teatro antico negli States che interesse riscuote?
Sicuramente non è coltivato come da noi. Loro guardano il mondo contemporaneo, guardano la contemporaneità. Sai, negli Stati Uniti, essendo anglosassoni di matrice, loro hanno Shakespeare. Di teatro antico fanno poco.

Se invece dovessi suggerire una scuola di recitazione naturalistica, di teatro contemporaneo, che nome ti sentiresti di dare?
Facciamo una premessa. Un bravo attore può fare sia il telefilm che la tragedia greca, perché le tecniche per recitare sono diverse ma sono state elaborate negli anni per arrivare allo stesso risultato. Quindi un bravo attore… poi non tutti sono attori a 360° e quindi magari chi si è formato esclusivamente con la scuola naturalistica, come quella che discende da Stanislavski, poi è stata trapiantata da Strasberg a New York, può avere difficoltà a passare da Čechov alla tragedia antica.
Ma questo non è il caso di chi ha fatto la scuola del Piccolo, dove hai un percorso ben preciso, per cui parti a recitare in versi, per poi passare attraverso Shakespeare, e poi arrivare a Čechov. Quindi parti da qualcosa di epico, per passare a un linguaggio ricco di metafore, elaborato, per poi arrivare al linguaggio naturalistico. Si recita sempre nello stesso modo, si applica la recitazione a contesti diversi. Questo dal punto di vista ottimale. Ma io, anche come insegnante, non riesco a concepire di poter insegnare un solo autore, anzi recitare certe cose dà la padronanza per recitarne altre. Se uno impara a recitare i testi classici, è chiaramente più facilitato a recitare i testi contemporanei. Viceversa no. È molto più facile che un bravo attore di teatro possa essere un bravo attore di cinema, che il contrario, che un attore che nasce solo al cinema possa avere la stessa resa in teatro. I motivi sono molteplici. Nel mondo anglosassone, ho visto, dato che me lo chiedevi, che c’è un travaso maggiore tra cinema e teatro: molti divi del cinema erano all’inizio attori di teatro, o lo sono tuttora. Guadate Ian McKellen. In Italia c’è un po’ più separazione tra i due mondi, non comunicano così tanto. Negli ultimi anni sempre di più, ma tradizionalmente cinema e teatro in Italia sono più separati di quanto lo siano nei paesi anglosassoni.

A lezione ci hai detto che sono necessari dieci anni per la formazione di un attore. È stato Strehler a insegnartelo. Cos’è in particolare a cambiare nel tempo? La percezione di sé o cos’altro?
All’inizio uno fa teatro perché il teatro lo fa stare bene, il teatro all’inizio è una terapia, o semplicemente un’attività che fa stare bene anche se non si ha bisogno di una terapia. All’inizio è sempre così. Uno fa teatro perché scopre di avere un corpo, che il corpo è espressivo; si scopre di avere una voce, scopre il racconto, la dimensione, e all’inizio il pubblico intimidisce. L’attore, l’allievo, è teso all’inizio, di fronte al pubblico. Man mano che passano gli anni l’attore dovrebbe accorgersi che l’energia non viene più dal fatto che lui sta bene sulla scena, anche, ma soprattutto dal fatto che c’è un pubblico. Negli anni cambia soprattutto questo. Per me all’inizio il pubblico era  una fonte di ansia; adesso, se non c’è il pubblico, non mi sento bene. Non riesco a provare da solo.
Provo perché… ma non riesco a recitare da solo. Questo non sempre capita, purtroppo. Il rischio per l’attore è di continuare a recitare per se stesso. Credo che un attore, dopo, debba vivere perché fa dei regali al pubblico. Se si continua a recitare per se stessi, continua ad essere solo una terapia. Poi, può essere un bravo attore, però lo si vede l’attore ermetico o il regista ermetico.

Ecco, ci siamo, vorrei che ci parlassi di due grandi nomi del teatro italiano. Giorgio Strehler, cominciamo da lui. Raccontaci la lezione più importante che ti ha dato, il ricordo più intenso, dicci un po’ ciò che vuoi.
Mi ricollego a quello che dicevi dei dieci anni. Lui ci disse subito: “Voi pensate, ragazzini, di avere la vocazione, di essere qua… voi adesso non avete nessuna vocazione. Tra dieci anni scoprirete se avevate la vocazione”. Al momento non lo capivo, eravamo tutti lì gasati, entusiasti, orgogliosi. Eravamo ventiquattro. Orgogliosi, pensando che il teatro aspettasse noi. Eravamo lì per noi stessi.
Invece dopo dieci anni, resistendo, chi ha resistito, ha scoperto di avere la vocazione, ovvero ha resistito a tutte le difficoltà che in realtà questo privilegio di fare un bellissimo lavoro come il teatro porta… l’insicurezza. Perché è vero che oggi tutti i lavori sono incerti però il teatro non è da meno, e sicuramente uno, che non sa vivere mese per mese inventandosi il lavoro, è meglio che non intraprenda questa strada. Ecco chi resiste a tutto questo, dopo anni allora può dire, “forse avevo una vocazione”. Ma questo si scopre dopo tanti anni. All’inizio quando si è in un’Accademia, con Strehler, è facile essere entusiasti.

Da pochi giorni ci ha lasciati invece Luca Ronconi, altra grande figura dei sipari italiani,  direttore artistico del Piccolo Teatro per moltissimi anni. Hai avuto modo di collaborare anche con lui? Un ricordo o un insegnamento anche indiretto?
No, lui è arrivato quando è morto Strehler, noi eravamo ancora a scuola, ma venne pochissimo a vederci, non abbiamo avuto rapporti noi. Non ho mai lavorato con lui, è un regista che non conosco, se non attraverso i suoi spettacoli. L’ho conosciuto personalmente, sì, ma non ho mai approfondito. Ha proposto un tipo di teatro che era l’altra faccia della medaglia rispetto al teatro che proponeva Strehler al Piccolo. C’è stato un cambio di direzione. Aveva un capacità di studio del testo immensa. E questo mi dispiace, di non aver mai potuto frequentare le sue prove. Però devo dire che i maestri che ho avuto, che sono stati Strehler e anche Peter Stein, e poi gli ottimi, non famosi ma insegnanti, maestri, come Enrico D’Amato e Michele Abbondanza, oltre ad insegnarmi tutto, mi hanno preparato a capire tutto quello che succedeva in teatro. Ovvero, non che io sia diventato… io faccio il mio lavoro al meglio, cerco di fare bene il mio lavoro, però quello che capisco è che, di fronte a diverse proposte che arrivano da diversi registi, ho gli strumenti per capire cosa c’è dietro. Il teatro è sempre un mistero, ma dopo Strehler e questi insegnanti che ho citato, a volte mi sembra che non ci siano misteri. Mi sembra.

A proposito di direzione artistica, sotto la tua guida il 4, il 5 e il 6 marzo, presso il teatro San Lorenzo alle Colonne di Milano, sarà messo in scena il Misantropo di Menandro dall’associazione teatrale Kerkìs, di cui sei vicepresidente. Qual è la capacità necessaria alla direzione di uno spettacolo?
Sì, certo c’è la capacità di interpretazione del testo, la fedeltà al testo, la capacità di dirigere gli attori, ovvero di far sì che un attore possa esprimere il meglio di sé. Quindi avere la capacità maieutica sull’attore. Il regista può essere intellettuale all’inizio, le prove a tavolino, ma poi il regista deve saper fare suonare gli strumenti dell’orchestra, che sono gli attori. Quindi spesso, se il regista è stato anche attore, questo non guasta. E il regista deve avere amore per il pubblico, senza l’amore per il pubblico la voglia di raccontare qualcosa a qualcuno, anche lì diventa terapia, fa un’operazione limitata.

La direzione drammaturgica del Misantropo è invece affidata alla Prof.ssa Elisabetta Matelli, docente di Storia del Teatro Greco e Latino e di Retorica Classica presso l’Università Cattolica. La stessa docente che cura con te il Laboratorio di drammaturgia antica e il Corso di Alta Formazione Teatro Antico in Scena ormai da diversi anni. Come nasce questo sodalizio formidabile che ha dato avvio ad una serie di attività culturali e formative di notevole interesse? È stato un incontro casuale o ricercato?
La invitai a rappresentare ad Erba, vicino Como, uno spettacolo che lei aveva montato. E da lì ci siamo conosciuti, lei mi ha chiesto se volevo seguire il laboratorio in università negli anni successivi. E poi da cosa nasce cosa. La prima volta ho collaborato con lei nel 2004, poi non continuativamente, ci sono stati degli intervalli.

Da poco hai interpretato l’Apologia di Socrate. Qual è il tuo prossimo spettacolo, da attore?
Presto metterò in scena Il Vangelo secondo Pilato, e poi c'è anche Shakespeare’s Memories.
L’ultima mia produzione riguarda Shakespeare. Shakespeare per qualsiasi attore è una festa da recitare, è un giardino dell’abbondanza, dona molte chance.

A questo punto, cari lettori, vi riporto qui di seguito un breve scritto di Christian… il racconto di quando incontrò Ian McKellen, uno dei maggiori interpreti shakesperiani viventi, e volto assai noto nei grandi schermi per aver dato forma a personaggi quali Gandalf e Magneto.
L’ispiratore di Shakespeare’s Memories è il grande Ian McKellen, fuoriclasse della scena mondiale. Anni fa, il suo recital Acting Shakespeare è stato applaudito nei teatri di tutto il mondo. È uno spettacolo che ho studiato a fondo, cercando di assorbire l’energia straordinaria che emana da questo attore e dal suo modo di recitare Shakespeare.
Ho avuto la fortuna di conoscerlo qualche anno fa.
Londra, dicembre 2007. La leggendaria Royal Shakespeare Company recita uno dei massimi capolavori del bardo: Re Lear.
Il protagonista è Sir Ian McKellen, divo planetario per la parte di Gandalf nel Signore degli anelli, ma soprattutto uno dei più grandi attori di teatro shakespeariano viventi. Ian McKellen che interpreta Re Lear è un evento storico, forse l’apice della parabola artistica di un interprete immenso.
Sono venuto apposta dall’Italia per ammirarlo e imparare. Mancano un paio d’ore all’inizio e mi aggiro nei dintorni del New London Theatre. Ho fame, scorgo una minuscola bettola ed entro. Pochi tavolini deserti. Solo un vecchio in un angolo ed io. Sorseggiando un caffè, con la coda dell’occhio osservo il vecchio, barba e capelli lunghi e bianchissimi, folcloristico. Deve essere un clochard, penso. Mangia distratto un piatto di sconfortanti maccheroni inglesi al pomodoro, prendendo appunti su scartoffie stropicciate che ingombrano il tavolino. La verità mi colpisce all’improvviso: è uguale a Gandalf, non è un clochard. È Sir Ian McKellen. E le scartoffie non sono scartoffie. Sono il copione del Re Lear.
Ecco, il leggendario Ian McKellen, che a due ore dall’inizio ancora studia e approfondisce. Potrei mai disturbarlo? Non avrò un’altra occasione come questa, devo provarci, al massimo mi liquiderà.
Mi avvicino con in mano una copia del Re Lear e abbozzo un timido “Excuse me Sir, are you…?”
Non mi lascia finire, solleva il capo dal copione, annuisce e con un semplice gesto mi invita a sedere. Emozionato prendo posto e nel quarto d’ora successivo scopro di essere di fronte non solo a un maestro, ma a un grande uomo. Subito si interessa a quello che faccio io in Italia. Si illumina quando mi sente parlare del Piccolo Teatro, dice che la Tempesta di Strehler è il più bello spettacolo shakespeariano che ha visto (detto da lui ha un valore immenso), aggiunge che però gli attori italiani tendono a replicare senza impegnarsi a creare ogni sera. Mi confida che alcune scelte del regista del suo Lear sono discutibili, aggiungendo “vedrai e capirai”. A un certo punto sfoglia il mio libro di Re Lear, su cui ho fatto alcuni tagli per un workshop con dei ragazzi, e mi dice “Ah.. anch’io ho tagliato questa battuta”. Mi tratta come fossi un suo pari, semplice, diretto, senza un’ombra di supponenza né di falsa modestia. I minuti corrono, mi invita ad accompagnarlo mentre fuma una sigaretta fuori dalla bettola. La conversazione è così spontanea e rilassata che mi sembra di conoscerlo da anni.
È il momento di andare. Gli lancio un “toy toy!” (in bocca al lupo) e via, lui in camerino, io in platea.
Lo spettacolo è straordinario, McKellen inarrivabile. Un’opera d’arte vivente.
Lo aspetto in strada all’uscita artisti. Non sono il solo. Mi vede da lontano e mi chiama “Christian!” Quando arriva di fronte a me, Sir Ian McKellen, il re degli interpreti, con tono sincero mi chiede “com’è stato?”  e felice di sentirmi farfugliare un impacciato apprezzamento, mi lascia un biglietto a suo nome: potrò tornare a rivederlo il giorno dopo, in un teatro che da mesi è “sold out“.
L’insegnamento artistico ed umano di Sir Ian McKellen mi accompagna in ogni nuovo lavoro che affronto. Spero che questo Shakespeare’s Memories possa restituire anche solo un briciolo della sua arte.

Christian, a sei anni quasi vomitai sul palco durante il primo saggio di danza classica… Da piccola non volevo fare neppure la Madonna per il presepe vivente! Eppure sarò presente nelle Baccanti di Euripide che metteremo in scena per maggio con il Corso di Alta Formazione di quest’anno.
Tempo fa hai detto che gli attori sono spesso timidi. Ma come si fa a contrastare questa timidezza, specialmente nella voce? Come si lavora con la timidezza sul palco? Bastano l’esercizio e l’esperienza?
A volte, sì, gli attori sono timidi e fanno teatro proprio perché è un mezzo per esprimersi ed uscire fuori. A volte, invece, gli attori proseguono anche nella vita a fare gli attori e… dipende anche lì, c’è di tutto anche nel mondo degli attori.
Si può lavorare su questa timidezza facendo teatro. L’esperienza permette di fare passi in avanti. Esperienza vuol dire la quantità di ore che passa in scena. Come in tutte le cose, la quantità di tempo permette di fare passi in avanti, non ci sono scorciatoie. È la costanza.

Caro Christian, ti ringrazio per la disponibilità e per averci regalato le tue risposte. Non mi resta che chiederti un saluto per i nostri lettori.
Spero di avervi presto ad un mio spettacolo, andate sul mio sito che trovate il calendario.