Interview with Laurel Holloman

by Giuseppina Biondo

English translation by Katia Smaldone

Laurel Holloman is an artist, the typical artist I like: a painter, an actress and a humanitarian.  The plural sides of art often make us much more appreciative of the people we happen to run into during our lives. For this reason and because of the significant importance this interview-critique has for me, I nearly ended up considering it as a new publication.

Over the years Laurel Holloman devoted herself to independent American cinema marking her screen debut as an actress at 24. Since 2010 she is entirely devoted to painting, following the New York school of abstract expressionism. The 12th July the Galerie Joseph of Paris will host one of her solo show.

I'm now going to introduce a few canvases for each of her solo exhibits and then ask her some related questions to satisfy our own curiosities.

Tribeca Collection 2011

Ms. Holloman, this is probably the canvas I would have wished to paint: “I Walk Alone”. Maybe one day I will tell you why. Meanwhile it is worth pointing out how magnificently you use yellow; the color has a calming effect and is in harmony with the idea of a solitary walk. The graduated shading of colors, which yield a bright green in the lower part of the painting, are a clear representation of inner peace typical of loneliness and of the artistic reflection of solitude.

Could you explain us the origin of this picture? What is meant to be seen and what have I actually missed?

I Walk Alone  has two figures walking away from each other and two smaller figures at the bottom.  I painted this when my marriage was falling apart and I think the figures represent everyone in my family. My ex husband and I are now great friends so the painting is now a reflection of a different kind of family. At least when I think of it now. I also knew it would be me to end the marriage and it was a painting that gave me strength. I cared for my partner but I was no longer in love and I wanted my children to see a different kind of relationship. I chose yellow because my decision to be alone was well thought out over time and it finally felt like a calming one. Also the green at the bottom represents growth. In another way I also feel that the painting is about death. We die alone and I also see the figures walking towards heaven. My step father (who used to be a priest)  saw that part right away.

I recently described Hans Hofmann’s “Orchestral Dominance in Yellow” as the most ‘tempting’ painting (for the force it has to incite anyone to paint) I have ever seen, considering the way the artist plays with the colors. I can feel the same thing when looking at the protruding oil in “Lush” where the solidity of the color is achieved by short brush strokes, seemingly dotted. Why would you describe this way of painting as something “lush”?

This painting is deep in color and vibrant. It was about not blending out the colors and letting them play against each other. Thrive is very similar, but on a larger scale.

Coeur Libre Collection 2012

“Red Rain”. It is probably one of your most popular pictures, at least one of the most recurring ones on the Internet. It is clearly meant to be the sound of the rain pouring down, the gravitational force. But, why this red rain?

It is a painting that graduates in color and texture. I purposely wanted the top to be blended and the colors of the blend to show through without being blended so they had to be dragged by the brush. It created a rain affect. And the red counters and balances the other colors.

“Soul Pocket”. I admit that if I looked at this canvas not being aware of your artistic motivation, I would automatically assume that it is the view of a planet from above, of a world featuring craters and nebulae moving in circular motion. Nevertheless, if we read the title, it’s crystal clear that we are talking about a pressed soul. There are the dynamics, there are different characters and personalities mixed together, which can often be found in all human beings.

So, is the canvas representing a tortured and tormented soul? Can your soul be described in these terms? Please tell us something about this artwork…

It is basically two paintings in one. The first is a resin based "pour" paintings much in the style of Paul Jenkins. The next phase is the hand rub of the piece with silver and gold. It is really about art being the soul. I see the universe filled with little soul pockets that illuminate. I used LEDs to back light every thing. It also symbolizes the connection of art and finance. Quite often the wealthy begin to feel soulless and they look to art to replenish them. Art is a peacock's feather for the elite. The silver represents the money and the underneath  (the colorful part) is the soul. Somehow they are uniquely codependent on each other. I think it is also implies that all the money in the world cannot create happiness. It can't give you spirituality or compassion or  make you more soulful. It can't by you love or friendship.

“Escape”. I must write something about this canvas as I love escapes. Actually, I can’t see in this representation the natural impulse of freedom. Moreover, the painting’s dimensions are considerably smaller if compared to some of the others. Why do you describe the escape, this spiritual journey, in these terms? I would instead say that “Coeur Libre” is the one that describes this feeling… as that white recalls a headlong dive.

Escape  represents a place in your brain where you are free of your problems. When I see the painting it just seems to look like that on a cellular level. I often think in terms of science or biology. I found the organic shapes of cell division fascinating. The painting seems to symbolically represent an escape. Coeur Libre is really about freedom to be what you want. For me it was about leaving a career and a marriage I was no longer happy in.

Free Falling Collection 2012

Ok, I admit I would like to talk about all of your artworks, but I definitely have to make a selection, which is not a simple task. So…

“Swelling Rage”. Rage, a growing rage. At this point, I’m really tempted to ask you who made you angry, but I will not do it as I know you may probably not want to answer. I usually couple yellow with revenge, and I can clearly distinguish it in some points of the painting; however, from my point of view, rage could have been represented by fog, or some falling white or gray … after all rage blurs our vision. Yet you depicted it using vivid colors which overlie and conceal the light blue-lilac layer beneath. Is this the concrete representation of the strong feeling of rage that brutally assails the peace of mind? Could you explain us the reason why you decided to use these colors?

Swelling Rage is loosely inspired from a song called White Blank Page by Mumford and Sons. I wasn't really mad when painting, I just used the song to pull me through the piece. I was interested in what rage would look like as an abstract. This painting was painted over several months with many layers and I used lots of lighter colors underneath to get the effect of something surfacing.  Maybe I was unaware of my own rage or just released it somehow. I can't really say. I am not sure i would want to understand or label it so directly. That's why I paint…… so I don't have to….  label and analyze it all.

“Free Falling” names the collection. Comparing the title to the artwork, the painting representation is perfectly clear. Is this the canvas of the collection you prefer the most?

No, I prefer Quiet Alpha Male in that collection.

“Thrive”( 350x200), another popular artwork. In Italian we would translate it with the verbs prosperare and rifiorire. The painting is the expression of an intense awakening, the gradual sleep/dream evanescence. Am I wrong?

Yes you are right!!!! It is about thriving in life personally and professionally. I also love the sound of the word.

All the World Inside Collection 2013

I admit that it’s becoming quite complicated choosing the right artworks for our conversation, especially when changes of style take place; indeed each canvas is different from the previous one.

In “All the world inside” the force of nature is perceivable and a landscape seems to be appearing: of course mountains, a sky which is bright in the middle and gets gradually gloomy towards the top. It’s like a swallowing force. I’m impressed. I can see the painting in its apocalyptic perspective, yet at the same time there’s something cozy and comfortable. I think it would be better if you described this work to us.

It is a piece that is very grounding to me. Somehow it just represents the power of the earth. We are here on earth and for a very short time. I also felt it is meant to be interpreted individually because some people see other things like a volcano.

“Inevitable Fault Line”. How could you recreate such a light? There’s the brightness of a sword blade, the glittering ice, the stars’ light reflection. It resembles a bracelet, full of valuable stones, observed through the eyes of a nearsighted person without glasses.

Such vividness also occurs in “The Weight of Water” and in “Upstream”: in those three canvases, is the azure the color that creates the described effect. Please tell us more.

This painting is about two things. I live in California and we all live over fault lines in the  earth. That can be stressful if you have experienced a big earthquake. It also symbolizes the potential break in any relationship. Not just love, it could be a friendship too.

I love blue and find there are endless choices of water when I paint with it. I am obsessed with water and being near the ocean. I live near the beach in Venice, CA. I find water to be very cleansing for the soul. Along with Swell, which is in the 2013 Venice Biennale these paintings also represent how water can be turbulent and unpredictable as well as calming and restful.

“The Silver Lining” (430x338cm). In my opinion this is a true representation of femininity. If I depicted a woman, I would probably imitate this canvas. A magnificent artwork, neat, delicate, soothing. The more I look at it, the more I become sure of the fact that it represents a woman, and the blue background for the tomboy side that, more or less, all women have.

How much off topic did I go this time? Please tell us about this canvas and its significance.

I was looking to create a counter to Quiet Alpha Male. The Silver Lining is more delicate and elusive which for me is more feminine. The color  in the color field was a way to keep it floating. Both paintings are inspired by Paul Klee who was a master at symbolism. I was looking for each piece to be symbolic of male and female. Yet also to show how we have a lot of both qualities within ourselves. I wanted the works to be more organic than some of the symbolism I had seen before. Again it goes back to cell division or reproduction.

To conclude “The Velocity of Dreaming”. In this representation there’s something kind of titanic, mythological. I can taste legends and divinities, the pulling power of dreams. There it is. The tumult of dreams, their constant pressure, their intimate and at times overbearing will (after all who can bottle up dreams?). If we happen to have dreams, like the dreams of your representations, Ms. Holloman, I seriously doubt they could be bottled up. Please describe to us one characteristic of that canvas and explain its meaning to us.

I feel this painting symbolizes our thoughts and I truly believe we can manifest our own destiny be it good or bad. Our thoughts take up much of our space in our brains. We can choose to dream big and go for things that seem unreachable or we can also self destruct. I used velocity because of the motion I see in the painting. I wanted to show how a thought can becoming an obsession and spiral out of control. In some ways obsessive behavior can be good for work and in some ways it can be bad. I just simply wanted the painting to show velocity and I picked the sky as a setting because it is truly what we look toward constantly to gather our thoughts or our dreams.

Where and when will your next exhibit take place? Have you already made plans in Europe for 2014? What about Italy?

The 12th of July I will be in Paris and I was just invited to the Contemporary art Biennale in Buenos Aires Argentina for October.

Are you currently working on a painting? If so, would you like to briefly describe it?

I work on about five to seven paintings at a time. My newer work is smaller than the murals and influenced a bit by Fernando Zobel. It is softer and more blended with smaller more detailed brushwork than the larger murals.

I’ve watched some videos of you painting, and I think your way of creating the color’s effect is charming. At times I have thought you played through colors the role of your own soul. What are your feelings when you paint? Is there any possible link between painting and acting?

For me painting has very little to do with my acting life (which really doesn't inspire anymore) It simply is just a separate creative muscle.

I suppose there can be moments of artistic block, during which you cannot go on, correct? If and when it happens, how do you deal with it?

I don't force myself to paint if I am really blocked. I know it would work against me.

Recently, Milan’s Royal Palace hosted the exhibition of “Pollock and the Irascibles”. I think there is something of Rothko and Barnett Newman in your works, yet I’m not going to compare your creations with some other paintings as it’s often very likely to come to similar conclusions through different paths. I actually would like to know where everything begins: is there any particular artist you were inspired by? Where do exactly your creations put down their roots?

To what extent do education, technique, and a person’s sensitivity positively affect the final outcome?

I am inspired quite often by photos I take. I think everything can effect a painting. Sometimes your lack of skill set can work  for you in abstraction if you stay connected emotionally and don't overpaint.

Since you were very young you entwined art and cinema. At the early age of 24, you performed as a leading actor in “The incredibly true adventure of two girls in love”. I just turned 24, and your career makes me feel inadequate!!

You also played shoulder to shoulder with leading actors, such as Jennifer Beals, Julianne Moore, Mark Harmon and Burt Young.

It’s just amazing, thus I have now a very expectable question: don’t you miss the big screen?

I enjoyed my time as and actor but i really do not miss it. I want to be creative up until I am in my nineties and I see very little older age women working on a regular bases. Also, I can paint or make things without needing set of people. For film and TV you need this. This was the most important thing for me in my choice of leaving acting. The choice to be creative daily alone in my studio is simply more rewarding.

No, I was a bit sad to find out that I didn't. It started to feel like a way to pay the mortgage and I knew that wasn't interesting for me.

Ten years have passed since the first episode of “The L word”. In 2005 you received the “Golden Satellite Award” for best actress of television drama series section.

In Italy you have such a reputation as actress more than you might expect. In the role of Tina Kennard, you now nearly represent the Derek Sheperd of all homosexual women. Do you think your career as an actress may hinder the one as a painter? After all, what you did has made you a more complete and complex artist.

I can't undo what my career was before. I can only move forward which I have. The Venice Biennale was very inspiring. No one there cared or knew anything about my acting past. I was just part of a group show and I really loved the artists I got to show with.

Humanitarian commitment. Tell us about the projects you carried out, the ones you supported and would like to support. I think that love means to be able to fight for a cause that is not ours, and actually you seem doing it.

I have raised money for Doctors  Without Borders and Emergency. I really love what Gino Strada has done with Emergency and felt honored he was at my Free Falling Opening. We raised a lot of money for children to have heart surgery in Sudan. 

You know, Ms. Holloman, the first story I published tells about a third year BA female student intrigued by a woman of different nationality that eventually turns out to be a painter. Nevertheless, this woman’s paintings are permeated with magic and mystery; each person looking at them sees something different. They are white canvases, all having a title carved on their back side, an important topic related to life. Therefore, everyone gives them different representations and assigns differing meanings to them. Thus I think that this is the beauty of the art of painting: the plurality of sense, of meaning.

As you can see, we took the same direction. Moreover, the story was published in 2010, which was the year you decided to devote your life to painting. If I look back at all the dates’ and numbers’ coincidences that follow one another in this interview, I’m led to believe that Fate is definitely a romantic mathematician.

Arrived at the end, I have to repeat myself, and say, as I wrote above, that this interview has the same importance a book publication has for me. I thank you for the time you politely granted us. Oh, one last thing, would you mind sending your greetings to the readers?

Thank you for all the support.

Intervista a Laurel Holloman

Intervista di Giuseppina Biondo     

Traduzione di Katia Smaldone

Laurel Holloman è un’artista proprio come piace a me: pittrice, attrice e dal forte senso e impegno umanitario. La poliedricità nell’arte ingigantisce le persone che ci ritroviamo davanti nella vita, così finisco con il pensare a questa intervista-recensione come fosse la pubblicazione di una nuova storia, tale è l’importanza che le attribuisco.

Negli anni la Holloman si è dedicata selettivamente al cinema indipendente, debuttando sul grande schermo a soli ventiquattro anni. Dal 2010 si impegna totalmente nella pittura, collocandosi lungo la tradizione dell’espressionismo astratto americano. Il prossimo 12 luglio sarà in mostra presso la Galerie Joseph di Parigi con una personale.

Adesso, per ogni collezione che ha esposto, introdurrò due o poco più tele e poi chiederò alla nostra le inevitabili curiosità.

                    

Dalla Collezione Tribeca 2011

Signora Holloman, credo che lei abbia dipinto la tela che avrei voluto dipingere io: “I Walk Alone”. Magari un giorno le spiegherò anche il motivo, ma nel frattempo devo dire che usa il giallo magnificamente. Nella tela sopracitata il colore risulta distensivo e bene sposa l’idea della passeggiata solitaria. I colori nel loro sfumare sino al verde in basso sembrano nell’insieme rappresentare la pacificazione dei sensi che si coglie nella solitudine, nella riflessione artistica appartata.

Ci dice qual è l’origine di questo quadro? E cos’è che non sono riuscita a vedere e che andrebbe visto in esso?

I walk alone è l’immagine di due figure che si allontanano l’una dall’altra ed altre due più piccole, in basso. Ho dipinto questa tela quando il mio matrimonio era sul punto di finire e credo che quei personaggi rappresentino la mia famiglia. Tuttavia adesso il dipinto rispecchia un altro tipo di famiglia poichè io ed il mio ex-marito siamo ormai grandi amici. Sapevo inoltre che a mettere fine a questa storia sarei stata io ed il dipinto soltanto poteva darmi la forza necessaria. Ci tenevo molto per il mio compagno ma non lo amavo più e volevo che le mie bambine vedessero un diverso tipo di relazione. Ho scelto il giallo perchè la mia decisione di restare da sola era stata ben pianificata ed il giallo alla fine di tutto si è rivelato avere un effetto calmante; il verde in basso rappresenta invece la crescita. Oltretutto, sento che il dipinto parla anche di morte. Si muore da soli ed io quelle figure le vedo dirigersi verso il paradiso. Quest’ultima parte è stata subito riconosciuta dal mio patrigno (era un prete).

Ho recentemente definito il quadro “Orchestral Dominance in Yellow” di Hans Hofmann come il più goloso che io abbia mai visto, per l’uso che l’autore fa dei colori. In “Lush” il colore che sporge, l’olio in rilievo, in prospettiva, mi dà la stessa sensazione. Il colore diviene goloso per la consistenza e le pennellate brevi, apparentemente tratteggiate. Perché descrivere così il “rigoglioso”?

Il dipinto ha colori accesi e profondi. Non si trattava di uniformare i colori, né di contrapporli. Thrive, anche se su una più larga scala, è molto simile.

 Dalla Collezione Coeur Libre 2012

“Red Rain”. Forse si tratta di uno dei suoi quadri più noti, più ricorrenti sul web. Si sente la forza gravitazionale, lo scroscio che precipita. Ma perché una pioggia rossa? Come nasce?

In questo dipinto sono presenti gradazioni sia del colore che della sua consistenza. Ho volontariamente reso uniformi i colori nella parte alta, li ho poi voluti mostrare senza che si fondessero, trascinandoli con il pennello. Ciò ha creato l’effetto della pioggia. Il rosso invece controbilancia gli altri colori.

“Soul Pocket”. Se da esterna, da estranea alle sue motivazioni artistiche, vedessi questa tela, affermerei subito che si tratta di un pianeta, un mondo, visto dall’alto, con tanto di cratere e arie nebulose che si muovono circolarmente.

Ma dato il titolo, stiamo parlando di un’anima compressa. C’è la dinamica, il mescolarsi di caratteri e personalità diverse, contrastanti, che l’uomo spesso possiede.

Dunque è un’anima complessa e in subbuglio quella rappresentata? La sua anima è altrettanto descrivibile? Anche qui ci racconti qualcosa di questa tela…

Sostanzialmente si tratta di due dipinti in uno. Il primo ha una base in resina e riprende molto la tecnica del “dripping” tipica dello stile di Paul Jenkins. Nella fase successiva ho aggiunto i colori oro e argento strofinandoli con la mano. Qui si parla davvero dell’arte come anima. Io posso vederci un universo pieno di piccole anime illuminate. Ho usato dei LED per creare un effetto di controluce sull’intera opera. Simboleggia inoltre il legame tra arte e denaro. Spesso l’uomo ricco inizia a sentire di non possedere un’anima e cerca perciò nell’arte il modo per riempire quel vuoto. L’arte è come una piuma di pavone per l’alta società. L’argento rappresenta il denaro, la parte inferiore (la più colorata) è l’anima; ed in qualche modo entrambe dipendono l’una dall’altra. Credo che ciò voglia dire che tutto il denaro del mondo non può fare la felicità dell’uomo. I soldi non possono darti la spiritualità, la compassione nè arricchire la tua anima, non possono comprarti l’amore né l’amicizia.

“Escape”. Non posso non scrivere di questa sua tela, amo le fughe. Però non riesco a vederlo qui, lo slancio libero dell’evasione. Il dipinto è anche abbastanza piccolo di dimensione rispetto a tante altre sue opere. Come mai la fuga, la corsa tutta interiore, la descrive con tale forma? Tra le sue tele, quella che mi pare rappresentare una fuga è piuttosto “Coeur Libre”… in quel bianco c’è il richiamo di un tuffo precipitoso. Mi dica lei.

Escape raffigura quel posto nella tua mente in cui sei libero dai problemi. Quando lo osservo mi sembra di guardarlo in un’ottica cellulare, d’altronde mi capita spesso di pensare in termini scientifici o legati alla biologia. Trovo affascinanti gli aspetti organici dei processi di divisione cellulare. Il dipinto sembra rappresentare simbolicamente una fuga. Coeur Libre è la libertà di essere ciò che si vuole. Per me era abbandonare una carriera e mettere fine ad un matrimonio che non mi faceva più essere felice.

Dalla Collezione Free Falling 2012

Ok, vorrei scrivere di quasi tutte le sue opere ma devo necessariamente fare una selezione ed è difficile. Dunque…

“Swelling Rage”. Rabbia, collera crescente. Qui mi verrebbe da chiederle chi l’ha fatta arrabbiare, ma non lo faccio, so che difficilmente potrebbe rispondermi. Il giallo spesso l’ho associato alla vendetta e vedo che qualche striscia di giallo è presente; ma la rabbia per me sarebbe stata una nebbia, un bianco, un grigio che cala: l’ira annebbia la vista. Eppure lei l’ha rappresentata con tali colori accesi, forti, che coprono, che invadono il sereno blu-lilla sullo sfondo. Si tratta davvero della serenità aggredita dal forte sentimento della rabbia? Ci spiega il perché di questi colori?

Swelling Rage è liberamente ispirato ad una canzone chiamata White Blank Page dei Mumford and Sons. Non ero realmente arrabbiata quando l’ho dipinto, ho semplicemente usato la canzone come mezzo per affrontare l’opera. Volevo vedere l’aspetto che avrebbe avuto la rabbia nella sua forma astratta. Il dipinto è stato ripreso in più mesi e sono stati creati molti strati insieme a colori più chiari nel basso così da far sembrare che qualcosa stesse affiorando. Forse non ero a conoscenza della rabbia che possedevo o semplicemente me ne ero liberata in qualche modo. Davvero non so dirlo. Forse non volevo così esplicitamente capirlo o spiegarlo. Per questo motivo io dipingo...per non dover spiegare ed analizzare tutto.

“Free Falling” dà il nome alla collezione. Accostando il titolo all’opera è subito chiara la rappresentazione. È questa la tela della collezione che preferisce?

No, di questa collezione preferisco Quiet Alpha Male.

“Thrive” (350x200 cm), altra sua opera nota, in italiano traducibile con i verbi prosperare e rifiorire. Esprime l’intensità del risveglio, la dissolvenza del sonno-sogno. Mi sbaglio?

Hai perfettamente ragione!! Rappresenta la crescita sia personale che professionale. Oltretutto adoro il suono della parola.

Dalla Collezione All the World Inside 2013

Sempre più complicato scegliere alcune opere per farne il nostro oggetto di conversazione, soprattutto per un cambio di stile che rende diverse tutte le sue tele dalle precedenti.

In “All the World Inside” si recepisce la forza della natura e sembra distinguersi un paesaggio: monti senz’altro e un cielo luminoso al centro, sempre più cupo verso l’alto. Si avverte un qualcosa che in qualche modo ingloba. È impressionante. C’è qualcosa di apocalittico e qualcosa di accogliente, caldo, allo stesso tempo. Forse è il caso che sia lei a spiegarci questa sua opera.

È un’opera per me molto importante. In qualche modo rappresenta il potere della terra. Noi siamo qui sulla terra ma ci restiamo per un tempo davvero breve. Sentivo anche che doveva essere interpretata individualmente, ad esempio alcune persone vi vedono un vulcano.

 “Inevitable Fault Line”. Come ha fatto a ricreare questa luce? C’è l’abbaglio della lama di una spada, la luminosità del ghiaccio, il riverbero delle stelle. Si avvicina a cosa e al come una persona miope vedrebbe, senza occhiali, un bracciale di pietre preziose.

Una lucentezza simile è presente in “The Weight of Water” e in “Upstream”: in tutte e tre le tele è l’azzurro che crea l’effetto descritto. Ci dia qualche insegnamento.

I temi di questo dipinto sono due. Io vivo in California e tutti viviamo su delle linee di faglia; il che è particolarmente stressante, per chi ha vissuto un terremoto. Simboleggia inoltre la potenziale rottura di qualsiasi relazione, non solo amorosa ma anche di un’amicizia.

Amo il blu e credo che con esso si possano creare infinite riproduzioni di acque diverse. Sono ossessionata dall’acqua e dal dover essere vicina all’oceano. Vivo accanto ad una spiaggia a Venice, in California. Credo che l’acqua abbia un potere purificante per l’anima. Insieme a Swell, presente nella Biennale di Venezia 2013, questi dipinti rappresentano anche il carattere turbolento ed imprevedibile nonché calmante e riposante dell’acqua.

“The Silver Lining” (430x338cm). A mio avviso qui è rappresentata la femminilità. Se dovessi dipingere una donna, probabilmente cercherei di imitare questa sua tela. Splendida opera, pulita, delicata e riposante allo sguardo. Sì, più la osservo, più mi convinco che al centro ci sia una donna e che lo sfondo sia la parte-maschiaccio che, chi più chi meno, un po’ tutte abbiamo.

Quanto fuori tema sono andata questa volta? Ci parli lei della tela e del suo significato.

Il mio intento era di creare un’opera che si contrapponesse a Quiet Alpha Male. The Silver Lining è più delicata e sfuggente, che per me vuol dire anche più femminile. Il colore sullo sfondo era un modo per dare l’idea di qualcosa che galleggiasse. Entrambi i dipinti sono ispirati a Paul Klee, maestro del simbolismo. Cercavo di fare in modo che ognuna delle due opere potesse simboleggiare rispettivamente il lato maschile e femminile, ma anche mostrare come dentro di noi siano presenti entrambi. Volevo che possedessero un taglio più organico rispetto ad altri dipinti del simbolismo che avevo visto precedentemente. Ritorna qui il tema della divisione cellulare o riproduzione.

E infine “The Velocity of Dreaming”. C’è qualcosa di titanico, mitologico in questa rappresentazione. Un gusto per le leggende e le divinità. Il potere trascinante e trascinatore dei sogni. Eccolo. Il tumulto del sogno, la continua sua spinta, la volontà intima e a volte sovraintenzionale (chi può talvolta frenare i sogni?). Se si hanno dei sogni, così come rappresentati da lei, signora Holloman, dubito che si possano bloccare. Anche questa volta le chiedo di raccontarci un particolare dell’opera e del senso che lei attribuisce.

Credo che questo dipinto simboleggi i nostri pensieri e credo sinceramente che noi siamo in grado di manifestare il nostro destino, felice o triste che sia. I pensieri occupano tanto spazio nella nostra mente. Possiamo decidere di sognare qualcosa di irraggiungibile o possiamo anche autodistruggerci. Ho usato il termine “velocity” per il movimento che vedo nel dipinto. Volevo mostrare come un pensiero può diventare un’ossessione e crescere vertiginosamente andando fuori controllo. In un certo qual modo il comportamento ossessivo può giovare nel contesto lavorativo ma in altri casi può essere dannoso. Volevo soltanto che il quadro descrivesse la velocità ed ho scelto il cielo come ambientazione poichè è verso esso che indirizziamo costantemente lo sguardo quando vogliamo raccogliere i nostri pensieri e i nostri sogni.

Quando e dove si terrà la sua prossima mostra? Ha già in programma qualcosa per il 2014 in Europa? E in Italia?

Il 12 luglio sarò a Parigi e sono stata recentemente invitata alla Biennale di arte contemporanea a Buenos Aires, in Argentina, per Ottobre.

A quale opera sta lavorando? C’è un quadro che sta dipingendo e che vorrebbe anticiparci anche con una breve descrizione?

Di solito lavoro con più dipinti, dai cinque ai sette alla volta. Il mio ultimo lavoro è più piccolo dei murali e risente in parte dell’influenza di Fernando Zobel. È più delicato e più uniforme con dei lavori di pennello molto più precisi dei larghi murali.

Ho visto qualche video mentre lei dipinge e trovo affascinante il suo modo di creare l’effetto del colore. Certe volte ho creduto che lei recitasse con i colori la sua stessa anima. Quando dipinge lei cosa prova? C’è qualcosa che unisce pittura e recitazione?

Per me la pittura ha davvero molto poco a che fare con il mio passato da attrice (un mondo che ormai non mi stimola più). Semplicemente si tratta di un muscolo creativo separato.

Immagino ci siano momenti in cui ci si ferma e non si riesce a continuare. È così? E se succede, quando succede, lei come reagisce?

Non mi sforzo di dipingere, se sono davvero bloccata. So che andrebbe a mio discapito.

Recentemente al Palazzo Reale di Milano sono stati in mostra “Pollock e gli Irascibili”. Ho visto qualcosa di Rothko e Barnett Newman in alcune sue opere, ma non voglio paragonarla ad altri artisti, spesso si giunge a conclusioni simili attraverso strade diverse. Vorrei però sapere da dove si muove lei: ci sono artisti che le sono stati di ispirazione? Da dove parte la sua creazione?

Quanto studio, quanta tecnica, e quanto della sensibilità di una persona rende un’opera buona?

Di solito sono ispirata dalle foto che faccio. Credo che qualsiasi cosa possa aiutare a creare un dipinto. A volte, se resti emotivamente connesso e non sovradipingi, l’assenza di tecnica può beneficiarti in termini di astrattismo.

Sin da giovanissima intreccia pittura e recitazione. A soli 24 anni è protagonista nel film “Due ragazze innamorate”. Io li ho appena compiuti 24 anni e la sua carriera mi fa sentire in forte difetto!!

Ha inoltre recitato con altri grandissimi attori, per citarne alcuni basti nominare Jennifer Beals, Julianne Moore, Mark Harmon e Burt Young.

È formidabile ed io sto per farle una domanda scontatissima: non le manca il cinema?

Mi sono divertita quando facevo l’attrice ma davvero non ne sento la mancanza. Voglio arrivare ai miei novant’anni e restare una persona creativa, e di donne più anziane che lavorano regolarmente ne vedo davvero poche. Inoltre posso dipingere o fare qualunque cosa senza dover avere bisogno di un gruppo di persone: per fare film e per la televisione invece sono necessarie. Ed è stato questo che mi ha principalmente spinto a lasciare quel mondo. La scelta di essere creativa ogni giorno, da sola, nel mio studio è semplicemente più gratificante.

No, mi sono rattristata un po’ quando ho scoperto che non mi mancava. Era diventato un modo per pagarmi il mutuo e sapevo che non poteva essere qualcosa di interessante per me.

Sono passati dieci anni dall’episodio pilota di “The L Word”. Nel 2005 lei riceve il “Golden Satellite Award" come miglior attrice nella sezione Serie Televisive Drammatiche.

In Italia è conosciuta come attrice più di quanto non pensi. Interpretando Tina Kennard, rappresenta un po’ il Derek Sheppard delle donne omosessuali. La sua carriera di attrice crede che sia così ingombrante per quella da pittrice? Dopotutto ciò che ha fatto la rende un’artista più completa, complessa.

Non posso annullare tutto quello che è stata la mia carriera, posso soltanto andare avanti, ed è quello che ho fatto. La Biennale di Venezia è stata molto stimolante: a nessuno lì importava del mio passato da attrice, ero semplicemente parte di un’esposizione di gruppo e mi sono piaciuti davvero molto gli artisti con i quali ho partecipato.

Impegno umanitario. Ci parli dei progetti che ha portato avanti, quelli che ha sostenuto e quelli che vorrebbe sostenere. Credo che amare sia saper combattere per una causa che non sia nostra e lei sembra farlo.

Ho raccolto fondi per Medici Senza Frontiera ed Emergency. Apprezzo davvero ciò che Gino Strada ha fatto per Emergency e mi sono sentita onorata di averlo avuto all’apertura della mia Free Falling. Abbiamo raccolto un’ingente somma per la realizzazione di operazioni al cuore in Sudan.

Sa, signora Holloman, il primo racconto che ho pubblicato è la storia di una studentessa al terzo anno di Lettere moderne incuriosita da una donna di diversa nazionalità che si scopre essere una pittrice. Le tele di quest’ultima hanno tuttavia qualcosa di magico e misterioso: ogni persona che le guarda, in esse vede qualcosa di diverso. Sono tele bianche dietro le quali vi è inciso un titolo, un grande tema della vita. E così ogni persona vede rappresentazioni e significati diversi. Credo che effettivamente sia questo il bello dell’arte della pittura: la pluralità del senso, del significato. Come vede abbiamo fatto lo stesso gioco.

Inoltre il racconto è stato pubblicato nel 2010, anno in cui lei ha deciso di dedicarsi esclusivamente alla pittura. Se penso a tutte le coincidenze di date e numeri che si susseguono in questa intervista, mi viene da pensare che il Caso sia un matematico davvero romantico.

Giunta alla fine di questa intervista devo ripetermi perché, come ho scritto sopra, essa ha per me lo stesso valore della pubblicazione di un libro. La ringrazio per la disponibilità e le chiedo un saluto per i lettori.

Grazie a tutti per il supporto.

Intervista ad Alden Morris, un sognaggregatore.

Questa non è un’intervista come recita il titolo, bensì il racconto di un sognatore implacabile. Spesso chi insegue un obiettivo ricerca ostinato nuove conoscenze e con la stessa cadenza fallisce; altre volte il Caso permette l’incontro e l’intrecciarsi di vite straordinarie con una tale naturalezza da risultare quasi spiritoso.

Ed è stato in maniera involontaria che ho conosciuto Alden Morris. Venuto dall’America, il protagonista di oggi fa partire il suo sogno dall’Italia, nello specifico dall’edible espresso cup, di cui tra qualche attimo lascerò che leggiate da lui stesso.

Questa doveva essere un’intervista, ma poi ho ritenuto che una buona storia andasse scritta con continuità e sentirla dal personaggio principe ha tutt’altra conseguenza, dovrete trarre da voi le conclusioni, senza la guida delle domande.

Di fronte ai grandi sognatori, infatti, la reazione del pubblico biforca radicale: di fronte ad un autentico sognatore si ha l’impressione di avere a che fare inevitabilmente con un folle o con un genio contemporaneo. Chi sogna tanto fa paura a chi non sogna abbastanza.

Chi è Alden Morris? Nero, americano, dallo sguardo visionario, nato nel 1990. Giovani lettrici, o mature che siate, prima di scadere in un’introduzione da cinquanta-sfumature-di-un-qualche-colore, voglio precisare che per me Alden è ciò che definisco un sognaggregatore, appartiene a quella specie rara di sognatori che vogliono raggruppare persone, che desiderano aggregare, lasciare che gli altri collaborino per un unico progetto. I sognaggregatori vogliono accendere la luce nella stanza e fare entrare chi ha lo stesso sogno, senza timore di parità. Non di rado ci si sente in difetto in compagnia di questi uomini: il sognatore vivo ci mette di fronte ad un "fanciullino" fallito. Dal canto mio, spero che si riaccenda in voi il Sogno, quello più personale che possedete.

Nel periodo storico in cui gli italiani vanno sempre più lontano dalla propria Nazione, un americano ci sbatte in viso il contrario: il mondo guarda all’Italia.

I believe and I want believe to great dreamers like Alden Morris.

Mi sarò sbagliata sul suo conto? Non lo so, gli cedo la narrazione. Eccovi il giovane Alden, buona lettura!

  

Giuseppina, I want to share with you who I am first, so you can have a better grasp of why the piece can strike the proper moral affliction behind this cup, behind the revelation of Banana Coffee, and behind what it will and has taken to achieve this monument in business and as well, as for American Business history.

I am a foster child; the American government were my parents. My biological father has suffered with mental illness most of his life, my mother is a dependent on state subsides to live, and throughout the brief years I lived with my parents, I suffered a broad range of emotional and physical abuse from my father.

At the age of 15, for the final time, I would be placed in the foster care system again. Throughout my on and off history along with my younger sister, I was molested, locked in basements, and was moved around to over 10 different homes.

I always had a curiosity; I had a curiosity to question the things around me, to kick the rocks and pretend they were cities and the leaves were people. I was always different, mostly alone, and often confined within myself to the great talents of my father but overbearing madness that he suffered from.

When it came time to leave high school as a foster child, I would barely get into college. After having written a letter to Cleveland State University, and boosting my well below ACT score, I was admitted into Cleveland State University in Ohio.

I wanted to one day be a US senator at the time, maybe the president, and maybe I could mold my story towards making it into Harvard University for law school. However, I truly never could grasp the stark rules and systematic pressure that the educational system in America composes.

In short, Cleveland State was not the place for me to find myself in full. I would transfer from Cleveland State to The Ohio State University in the fall of 2013. My hopes would be, that from Ohio State I would have a stronger chance of getting into Harvard Law, but truth be told, I once again found less interest in academics, and I began to focus in on my inner child – my inner creativity.

For years I have wrote, now, I have nearly a thousand pages of quotes, theories in the fields of biology and a few in physics, and a vast amount of poems and short essays and quotes. When I write, I find who I am, and I find my inner expression.  Through writing and deep thought, I than found the inner inventor inside me.

During my short tenure at Ohio State University, I would form an idea to place football cameras inside the American Football Helmet. You could follow your favorite football player, see his view life from a first person perspective, and you could experience through his eyes the feel of the game. So, why a football helmet with cameras? Well, American Football was always an athletic hobby and once ingrained passion of mine.

I presented my idea to The Ohio State Athletic Director and a few members of his staff; we showed the director beautiful sketch renderings, potential concepts to add, and a short yet amateur business plan/proposal. My goal was that Ohio State would maybe fund the idea for a prototype to test on OSU football players. In short, that never happened, and they recommended that I reach out to their football equipment manager to have him share the idea with officials from Schutt and Riddell to gouge interest in the project.

Schutt did eventually get back to me, but directly, instead they emailed The Ohio State University football equipment manager to inform him they are releasing a helmet with a camera inside. This was two months after I shared the idea with Ohio State. Schutt will be releasing the concept this fall in various collegiate American Football programs; the product is called Schutt Vision, and it will also become a part of American Arena Football this fall as well.

I have written nearly three hundred pages worth of business ideas, legal provisions, and plans that have formulated into nothing. I have failed over and over, been betrayed, and nearly have broken down emotionally to the brink of severe depression. I have however though, always believed that humanity needs us to have courage to believe that our mission in life can advance greater causes by greater convictions.

So, where did the Edible Coffee cup come into play? Well, after having my idea regarding the American Football Helmet with cameras stolen, I had to find another concept to propel me into technology; I had to find another concept that would be easier to make on my own, cost less money, and preach a more realistic approach to people I would need to help make it happen.

Sitting in the Ohio Student Union, I watched dozens of people throwing away their coffee cups, and I questioned to myself? Do they have to throw away the cups? O, what if you could eat the cup instead? From this very moment I got up and contacted some friends, consulted with a couple of professors, and I decided to pursue the edible coffee cup.

After weeks of thought and trying to find someone to make the cup, I found a pastry chef in Ohio who agreed to make a sample cup in the American model of a coffee cup. She did make a cup, but the formula only lasted two hours before denigrating. She also decided because of my intense persistence, that she could no longer work with me, and would pursue an intellectual property protection to steal my idea and sell me back the rights. Pure evil, pure hysteria.

I was lost, nearly done, and failure once again transmitted upon me. I decided I would go online for the first time to see if this cup has ever existed, and I found out an inventor made a model in 2012. His model was an edible espresso cup and he was never able to get it to the commercial market for what seem to be reasons of large conspiracy.

I knew he travels Europe and had an office in Milano, so one day on the bus in America after another failed talk to get seed funding to fund for another chef to make us a sample, I decided to drop out of Ohio State University and travel to Milano to hunt down the inventor of the cup. I felt his skills would be more efficient and that we would share the same vision for coffee. My plan was to find him, convince him to work with me and help him take his version to the world. He never knew I was coming.

It never worked out at Ohio State to get the company off the ground. From the huge American Bureaucratic system and culture, to the ones who denied, ignored, and even individuals who conspired to steal ideas and concepts from me, I decided I needed a bold and realistic move to launch Banana.  I never have left America before, and I only emailed the inventor who made an edible espresso cup once to let him know I was coming but he never confirmed he was in Milano or would meet with me. However, I took my chances, took the little money I had, and flew to Milano Italy – the design and maybe even coffee hub of the world. I left my apartment and headed to the Airport.

When I arrived in Italy, the inventor told me he will not be in Milano for another month and did not want to work with me in this fashion. He also told me he sold the rights to the cup, and than told me a slew of other stories that never seemed to add up. I was forced to find another option, and I was running low on my living budget.

While walking down a street in Milano, after being turned away from a near dozen restaurants, I was ran into a small start up franchise location called LaCompatibile. I walked into the shop, shared my idea with one of the owners who goes by Gianluca Cozzi, and told him my story. He thought the cup was revolutionary, and he offered to take up the project and even invest as well as find a pastry chef to make the cup.

A week went by, and we found a pastry chef who goes by the name of Raneri to make the cup, and I decided to save money to go homeless while I waited on a sample of the cup. Now, our samples our ready, and we have a plan to go to the world by June 1^st or by July 1^st. Our goal is to sell the cups at their shops while also using Banana Coffee’s logo. Gianluca and his wonderful girlfriend gave me a tent to sleep in to hold me over for a couple of weeks, and now I am currently staying with Gianluca. They have been so gracious. I am not sure how I am going to make it back to America; I don’t have a plane ticket back yet, but we are now ready to start selling the cup!

We will feature Banana Coffee’s logo on LaCompatibile’s website very soon, and as well on the boxes by this fall of 2014 with the edible coffee cup. This cup will really change coffee forever, as we also plan to build an American prototype and further innovations for the piece that will really make the “wow” factor “wow!”.

I hope you join this experience; you can find the cups in both of LaCompatibile shops in Milano at via Augusto Anfossi, 5 and at via Panfilo Castaldi, 32.

The cups are amazing, and this is the beginning journey of a company that is going to change the world. I hope you join us.

Best,

Alden Morris